Das Chicago-Trio Sons of Ra hat zweifellos ein beeindruckendes und wegweisendes Debutalbum veröffentlicht. Zwischen Progressive Rock und Jazz. Dabei ist der Name des Trio's beeinflusst vom experimentellen Avantgarde Künstler Sun Ra, (Herman „Sonny“ Poole Blount). Die Band zeigt sich dabei regelrecht virtuos, musikalisch angereichert mit melodischen Komponenten, aber auch experimentell in der Idee. Die den Hörer gleichermaßen fordert und belohnt. Ein Ausnahmealbum, deren Hintergründe ich ausführlich mit dem Gitarristen Erik Oldman, dem Saxophon/Bassisten Keith Wakefield und dem Schlagzeuger Mike Rataj besprechen konnte. 

Hey, euer Debütalbum ist vor ein paar Wochen erschienen. Wie waren die ersten Reaktionen, insbesondere bei den Live-Shows?

EO: Die Resonanz auf „Standard Deviation“ war aus Pressesicht fantastisch. Wir haben bisher großartiges Feedback zu unserem Material bekommen. Ehrlich gesagt haben wir es bereits in den letzten vier Jahren live aufgeführt, während wir die Arrangements für die Alben entwickelt haben. Die Live-Reaktionen waren überwältigend positiv, da sich das Material weiterentwickelt hat. Leute, die uns in den letzten zehn Jahren vor Ort verfolgt haben, haben die Weiterentwicklung unseres Materials und unserer Live-Shows durch Looping- und Synthesizer-Technologien, erweiterte Gitarren-Range und die Einbindung des Tenorsaxophons sehr geschätzt.

KW: Wir haben auch angefangen, bei bestimmten Shows Gäste einzuladen. Das hat auch viel Spaß gemacht.

Erzähl uns mehr über eure letzten Auftritte in Pittsburgh, Baltimore und Detroit. Was waren die positivsten Aspekte? Mit welchen Bands habt ihr gespielt und wer hat die Shows organisiert?

EO: Der Auftritt in Pittsburgh wurde von einem unserer Partner-Promoter organisiert, der unter dem Namen The Consortium sich präsentiert. Er hat maßgeblich dazu beigetragen, dass wir in dieser Stadt seit Beginn unserer Auftritte eine solide Fangemeinde aufbauen konnten. Wir fanden das Avantgarde-Saxophon-Duo Ben Opie und Patrick Breiner wirklich sehr gut.

Unser Label koordinierte den Auftritt in Baltimore mit den Betreibern der Orion Studios. Die Orion Studios sind ein großartiger Veranstaltungsort für die Avantgarde-, Prog- und Jazz-Szene hier in den USA. Ich habe das Programm für den Auftritt organisiert, mit den improvisierten Free-Jazz-Ensemble The Konjur Collective und den Ambient-Künstler Derek Torsani. Wir haben mit der Band Belling the Tiger, bestehend aus einigen Veteranen der Detroiter Prog-Rock-Szene, zusammengearbeitet, um den Abend zu organisieren.

KW: Am positivsten finde ich, vor neuen Leuten zu spielen. Ich höre auch gerne Musiker aus anderen Gegenden, weil jede Gegend eine etwas andere Atmosphäre hat.

Ihr habt letztes Jahr „Tropic of Cancer“ veröffentlicht. Was beinhaltet diese EP genau? Wie unterscheiden sich diese Aufnahmen von eurem ersten Album? Und was sind ihre Stärken?

EO: „Tropic of Cancer“ ist eine sechsteilige Suite, die wir während derselben Sessions wie das Material für das Album „Standard Deviation“ aufgenommen haben. Ich habe sie der Band vorgestellt, weil es der richtige Zeitpunkt zu sein schien, sie unter die Leute zu bringen. Wir hatten zu viel Material für ein einzelnes Album. Da „Tropic of Cancer“ eine Suite im Langformat war, beschlossen wir, sie zunächst als EP zu veröffentlichen. Wir wollten eine Aufnahme realisieren, die uns selbst wirklich Spaß macht, unabhängig von der Wahrnehmung der Hörer. Das Ergebnis dieser Aufnahme war unser erster vollständiger Schreib- und Aufnahmezyklus mit unserem Schlagzeuger Mike Rataj, seit er der Band beigetreten ist. Die Qualität der Kompositionen und der Aufnahmen selbst, die Tiefe der Arrangements und das Gefühl, endlich eine geschlossene Einheit mit einem definierten Sound zu sein, sind unsere Stärken und eine enorme Entwicklung für mich.

MR: Um Eriks Worte zu wiederholen: „Tropic of Cancer“ ist ein Werk, das wir seit fünf Jahren zusammenspielen, und daher eher ein integriertes Stück von uns ist. Diese und „Standard Deviation“ zeigen hoffentlich eine Weiterentwicklung und echten Zusammenhalt als Band im Vergleich zu „Cognitive“ (der ersten EP, auf der ich mitgewirkt habe). Beide Veröffentlichungen repräsentieren uns als komplette Band, im Gegensatz zu Songs, die sie größtenteils schon fertig hatten. 

Seit der Gründung von Sons of Ra tourt ihr als Trio. Wann und wie habt ihr euch gefunden? Was war eure musikalische Grundidee? Wolltet ihr einfach nur Rock und Jazz verbinden oder steckt mehr dahinter?

EO: Ich habe unseren Bassisten und Tenorsaxophonisten Keith Wakefield lange vor der Gründung von Sons of Ra kennengelernt, und unsere Freundschaft basiert auf unserer gemeinsamen Liebe zu Jazz, Jazz-Fusion und Metal. Ich kannte Mike aus der lokalen Metalszene, und er ist einer der energiegeladensten und intensivsten Schlagzeuger, die ich je erlebt habe. Damals hatten Keith und ich uns von unserem vorherigen Schlagzeuger getrennt und spielten nur Akustikkonzerte in Chicago. Mir fiel auf, dass Mike offen für neue Projekte war, also lud ich ihn zu einem unserer Konzerte ein, um seine Persönlichkeit kennenzulernen. Wir verstanden uns auf Anhieb, und er hing mit uns ab und zeichnete in einem Skizzenbuch, während wir spielten und nach unserem Set an der Bar abhingen. Ich war beeindruckt, dass er auch bildender Künstler war.

Ein paar Monate später fragten wir Mike, ob er Lust hätte, mit uns außerhalb des Staates aufzutreten, um zu sehen, wie es läuft. Wir schickten ihm ein paar Notizen und ein paar Tracks, und er kam mit einer ganz neuen Interpretation unseres Materials. Wir suchten uns alle drei Stücke aus, die wir für die Show lernen wollten. Die Show sollte in ein paar Wochen stattfinden. Wir spielten eine Interpretation von Chick Coreas „Spain“, den Jazzstandard „I Know that You Know“ und eine Interpretation des „Spring Round Dances“-Satzes aus Igor Strawinskys „Le sacre du printemps“. Wir hatten ein paar Wochen Zeit, um die Stücke einzustudieren. Unser Auftritt in Madison, Wisconsin, war ein Riesenerfolg.

Die Band selbst begann im Jahr 2000 als Improvisationsquartett. Sie entstand aus einer Mutprobe meines damaligen Mitbewohners, der hier in Chicago eine monatliche Residency für Electronica und Industrial kuratierte. Er ließ eine Band ein Programm vorbeibringen und bat mich, eine Gruppe von Musikern zusammenzustellen, die über ein Set von Beat-Tracks improvisieren sollten, die er in seinem Studio zusammengestellt hatte. Also gab es Keith Wakefield am Bass, einen Geiger, den ich aus einer anderen Band kannte, in der ich damals spielte, meinen Mitbewohner an den CD-Plattenspielern und mich an der Gitarre. 

Wir hatten ein paar informelle Proben, um vorher ein paar Tonzentren und Motive zu erarbeiten, und dann spielten wir einfach die Show. Als mein Mitbewohner und ich überlegten, welchen Namen wir für den Flyer finden sollten, hörten wir Sun Ras Album „Sun Song“ … er erwähnte den Namen, und er blieb hängen. Ganz am Anfang gingen wir aus der Perspektive von Jazz-Fusion, Experimentalmusik und Improvisation an die Sache heran. Die aktuelle Besetzung mit unserem Kern-Trio ist seit sechs Jahren aktiv. Für ausgewählte Shows stellen wir andere Musiker als Teil einer erweiterten Besetzung vor. Das neueste Material wurde mit Blick auf die Möglichkeit eines erweiterten Live-Ensembles arrangiert.

KW: Wir kombinieren seit Beginn dieser Band Elemente aus Rock und Jazz. Aber es passiert einfach. Es ist Musik, die uns gefällt, ohne vorbestimmter Regeln.

MR: Der Ethos und die Freude an dieser Band liegt für mich darin, dass ich ganz natürlich von Genre zu Genre wechseln kann, ohne mich dabei schlecht zu fühlen. Ich liebe all die verschiedenen Musikstile, die wir spielen, und deshalb ist es toll, mich auf die Stile einzulassen, die auch alle anderen sie schätzen.

Es ist sehr angenehm die verschiedenen Stile in eurer Musik zu entdecken. Von Mathe, Post, Blues und natürlich viel Progressive Rock, aber eben auch Jazz. Aber woher kommt die Liebe zum Jazz?

EO: Mit dreizehn sah ich den Film „Bird“ über Charlie Parker. Gleichzeitig begann ich ernsthaft Gitarre zu spielen. Der Aspekt, dass die Musik wirklich aus dem Inneren des Künstlers kommt und sich dem Massengeschmack widersetzt, gefiel mir sehr. Ich begann, andere Bebop-Künstler der Zeit zu entdecken, und meine Faszination wuchs immer weiter. Miles Davis, John Coltrane, Thelonius Monk und dann Avantgarde-Musiker wie Eric Dolphy und Charles Mingus. Das blieb mir als paralleler Weg erhalten, neben meinem damaligen Interesse an Extreme Metal und später auch an anderen Musikrichtungen.

MR: Damals stieß ich auf den lokalen Jazzsender in Chicago, und ab und zu spielten sie einen Bebop-Künstler, der mich wirklich berührte. Ich habe langsam verstanden, dass Bebop und der frühe Swing die beiden Stile waren, die die Energie hatten, mit der ich mich verbunden fühlte. Dann, irgendwann, fand ich zwei Jungs, die diese Musik mochten, aber lieber härter spielten.

KW: Ich war ein Band-Freak und habe in der Schule Jazz auf dem Saxophon gelernt. Wie die meisten Kinder habe ich angefangen, Noten zu lesen und vorgefertigte Soli zu spielen. Aber als ich lernte, über 12-taktigen Blues zu improvisieren, war ich inspiriert. Dann wollte ich jammen und lernen, über alles zu improvisieren! Es hat Jahre gedauert, bis ich zur Ruhe kam und mich auf Melodien und Songstrukturen konzentrieren konnte. Der Bass hat mir geholfen, mich etwas mehr auf das große Ganze zu konzentrieren.

Auf Eurem Album finden sich Interpretationen von unter anderem John Coltrane und Don Ellis. Wieso habt ihr euch gerade dafür entschieden?

EO: John Coltrane hat uns stark beeinflusst, insbesondere sein Hard Bop und seine modalen Perioden. Im College wurde ich ein Fan von Third-Stream-Musik und lernte Don Ellis’ Arbeit in diesem Idiom und im Avantgarde-Jazz kennen. „Upstart“ verkörpert viele der verschiedenen Facetten des Jazz, die wir lieben: Es swingt, ist bluesig, dissonant und hat einen ungewöhnlichen Takt, wirkt aber nicht plump. Wir wollten ein Stück, das wir als unsere Interpretation eines Big-Band-Arrangements interpretieren konnten.

KW: Ja, ich mag so ziemlich jede Phase von John Coltrane. Ich identifiziere mich sowohl stilistisch als auch kompositorisch mit ihm. Don Ellis ist für mich etwas neuer, aber ich mag ihn auch. Ich sehe die dritte Strömung als eine weitere Art der Fusion. Wir lieben es, Stile zu verschmelzen zu lassen!

Aber was macht euer aktuelles Album so besonders und unterscheidet es von anderen Veröffentlichungen?

EO: Für mich sind wir klanglich endlich an einem Punkt angelangt, an dem alles exakt zusammenpasste. Es stellt für uns ein kompositorisches Gesamtbild dar.

MR: Dies ist unser erstes Album in voller Länge, aber ich denke, so vielfältig es auch ist, wir wissen alle, wohin die Reise mit den verschiedenen Parts geht. Daher können wir mehr mit Dynamik und Stilen spielen und uns darauf einlassen.

KW: Die Produktionsqualität ist höher als alles, was wir bisher gemacht haben. Wir sind nicht nur so einheitlich wie nie zuvor, sondern kommunizieren das auch so klar wie nie zuvor.

Erzählt uns etwas über die Entstehung der folgenden Songs: „Outside Looking In“, „Intrepidation“ und „Porous Silver“.

EO: „Outside Looking In“ ist ein Vamp, den ich hauptsächlich auf dem Bass geschrieben habe, eher als Improvisationsinstrument. Es hat einen eher klassischen Fusion-Stil mit Melodien als Hommage an Herbie Hancock, The Headhunters und das Mahavishnu Orchestra. Dieses Stück ist eher ein Gemeinschaftswerk der Band geworden. Eine der Melodien ist von den Ideen des Serialismus im Bebop-Kontext inspiriert.

„Intrepidation“ ist ein Stück, das Latin Jazz mit Progressive Rock verbindet. Ich habe es während meines Studiums der afrokubanischen Perkussion geschrieben. Mein Lehrer und ich sprachen zwar nicht die gleiche Sprache, aber wir teilten eine gemeinsame Sprache durch unsere musikalischen Gespräche und das Eintauchen in die Rhythmen.

KW: „Porous Silver“ ist ein Stück, das ich als Hommage an Horace Silver geschrieben habe. Es basiert auf einem starken Tritonus, der an einige seiner Werke erinnert. Meiner Meinung nach hatte Horace Silver etwas von „Fusion“, und das gefällt mir sehr. Er wirkte auf mich nicht wie ein Jazz-Purist, da sein Jazz Einflüsse von Soul und R&B hatte. Daher denke ich, dass er, genau wie Don Ellis, unterschätzt wird und mehr Aufmerksamkeit verdient.

Das Album wurde von Spenser Morris produziert. War es Ihre erste Zusammenarbeit mit ihm? Warum war er der Richtige für den Job?

EO: Spenser arbeitet seit vielen Jahren als Live-Tontechniker mit uns zusammen. Unsere Shows sind immer großartig, wenn er hinter den Mischpulten steht, da er ein tiefes Verständnis für unsere Arbeit hat. Er hat uns mehrmals wegen Aufnahmen angesprochen. Er hat außerdem ein ausgeprägtes Auge für Details und erklärt Dinge auf nicht-technische Weise, was uns hilft, den bestmöglichen Sound zu erzielen.

KW: Wir sind in erster Linie eine Live-Band. Aber unser Live-Setup kann für Tontechniker eine Herausforderung sein. Erik sendet drei verschiedene Signale: eines für die Standardgitarre, eines für den Bass und eines für den Gitarrensynthesizer. Viele Tontechniker tun sich damit schwer. Oder die Tatsache, dass ich zwischen Bass und Saxophon wechsle, kann ihnen Probleme bereiten. Spenser ist ein Typ aus Chicago, der uns jedes Mal perfekt gemischt hat. Deshalb dachten wir, es wäre sinnvoll, ihm eine Chance im Studio zu geben. Aber ehrlich gesagt war es besser als erwartet. Er hat ein hervorragendes Gehör und war sehr hilfsbereit. 

Erzähl uns etwas über die Zeit im Studio, wie lief es und wie herausfordernd war der Aufnahmeprozess?

EO: Spenser war für mich der Co-Produzent meiner Gitarrensoli. Ich stieg in den Aufnahmeprozess ein, weil ich beim Solo ganz im Moment sein wollte und keine vorgefassten Meinungen darüber hatte, was ich machen wollte. Er hielt mich auf Trab, wenn ihm etwas nicht gefiel. Er war sehr geduldig, wenn wir Pläne änderten, und legte einfach Bläserharmonien und -soli ein, wenn Keith sich inspiriert fühlte.

Wir waren auch beeindruckt von der detaillierten Arbeit beim Einrichten des Studioraums, insbesondere mit Schlagzeug und Bläsern. Es dauerte länger, als wir alle zuvor erlebt hatten, aber als wir das Playback mit den Sounds im Kontrollraum hörten, konnte er sich genau einarbeiten, was mich sehr beruhigte. Ich denke, die größte Herausforderung war, dass wir uns Zeit ließen, als uns die Arrangements und Texturen in diesem Werk inspirierten. Es war ein sehr organischer Prozess, und ein Drittel des Albums entstand während der Studiosessions. 

Für uns war es nicht so herausfordernd wie für Spenser, der an besser organisierte Bands gewöhnt war, die nach einem festen Zeitplan arbeiteten. Nachdem das Kern-Tracking abgeschlossen war, hatten wir ein paar Tage Zeit, um mit Layern und anderen Elementen auf das zu reagieren, was wir gemacht hatten, um die Musik zum Leben zu erwecken.

MR: Die ersten paar Tage konzentrieren wir uns hauptsächlich auf das Schlagzeug, und wir stellen sicher, dass alle Schlagzeugparts perfekt sind. Es kann stressig sein, sich alles noch einmal anzuhören und sich zu fragen, ob alles gut gelaufen ist oder nicht. Wir hatten ziemlich gut geprobt, bevor wir dort ankamen, aber die Musik auf diesen wunderbaren Studiomonitoren zu hören, hat etwas Besonderes, das einem hilft, die Songs in einem neuen Licht zu sehen.

KW: Ich habe viele schlechte Erfahrungen in Aufnahmestudios gemacht, besonders mit Bassgitarren. Toningenieure wollen oft nur diese Ebene fertigstellen und weitermachen … zum Teufel mit der Kreativität. Spenser gab uns Raum und Möglichkeiten, das zu tun, was wir tun mussten.

Das Cover-Artwork ist auch fantastisch geworden. Ihr habt den lokalen Künstler Nick Gurley damit beauftragt. Was war die Grundidee und die Richtung des Designs?

EO: „Der Weltraum ist der Ort“ … (lacht). Visuell geht es um einen Reisenden im Weltraum, der neue Welten und Modalitäten entdeckt. Nick hat aus meiner Sicht sowohl mit dem Gemälde als auch mit der Reisenden-Grafik einen echten Volltreffer gelandet.

Erzähl uns mehr über seine anderen Arbeiten und was gefällt euch daran besonders?

EO: Nick hat einen tollen, organischen, surrealen Stil. Er hat in der Vergangenheit bereits Albumcover und Grafikdesign für uns gemacht. Er versteht mein ästhetisches Empfinden und die Zusammenarbeit mit ihm verlief reibungslos. Er hat auch für mehrere Bands von Freunden hier in Chicago Artworks gestaltet.

Das Album wurde von Free Electric Sound veröffentlicht, die sich auf Instrumentalsounds spezialisiert haben. War es dir wichtig, dass der Fokus eines Labels darauf liegt?

EO: Die Zusammenarbeit mit ihnen ist eine Selbstverständlichkeit. Ich würde sagen, dass es heutzutage entscheidend ist, ein Label zu haben, das wirklich versteht, was man ästhetisch und künstlerisch macht.

MR: Ja! Man braucht jemanden, der versteht, was man macht. Daher war Free Electric Sound die perfekte Wahl. Wir sind dankbar, ein Label mit ähnlicher Einstellung gefunden zu haben.

KW: Wir sind wie hässliche Entlein, die sich schwertun, eine Szene zu finden, die zu uns passt oder uns versteht. Free Electric Sound hingegen versteht uns, daher sind wir extrem gespannt und dankbar für die Zusammenarbeit.

Ich hoffe sehr, Euch bald in Europa begrüßen zu dürfen und verbleibe mit freundlichen Grüßen aus Berlin.

EO: Vielen Dank! Wir hoffen, irgendwann in Deutschland auf Tour zu gehen und Berlin zu besuchen!